Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, op.25
Chausson byl francouzský skladatel, jehož slibná kariéra byla zkrácena jeho ranou smrtí ve věku 44 let. Po ukončení právnické fakulty odešel studovat kompozici na pařížské konzervatoři s Massenetem a Franckem. Do své smrti pracoval v Société Nationale de Musique - organizaci, která propaguje francouzskou hudbu.
Jeho skladba byla malá, ale významná. Jedním z vynikajících děl je Poème pro housle a orchestr. Tato práce s jedním hnutím byla zveřejněna v roce 1896 na žádost belgického houslisty Eugèna Ysaÿe. Je založen na triumfu písně lásky ( Le Chant de l'amour triomphant ) ruského romanopisce Ivana Turgeneva, který vypráví příběh dvou mladých mužů, kteří se zamilovali do stejné ženy.
Skladba začíná v temné a temné náladě a housle vstoupí s intimním prohlášením podobným cadenze. Hudba se brzy stává vášnivější a houslová část se promění v emocionální zobrazení lyrických melodií a virtuózních pasáží. Houslista Vincent P. Skowronski poskytl houslistům, kteří se pokusili provést tento kus, následující radu:
"Poème je dlouhý, obtížný a smyslně svižný herní zážitek, takže musíte ušetřit tolik energie, kolik můžete." Vynakládejte však tolik energie, kolik dokáže vaše kaleidoskopická paleta zvládnout, protože jen zřídka získáte příležitost k volnoběhu s tak velkými množstvími houslistických skvostů. “
Vadim Repin hraje Poème od Chaussona
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - The Lark Ascend
The Lark Ascending (1881) je báseň George Meridith, která vypráví příběh o tom, jak Skylark zpívá nebeskou píseň. To inspirovalo Vaughana Williamsa k tomu, aby v roce 1914 vytvořil hudební nástroj se stejným názvem pro housle a klavír, a později jej změnil na housle a orchestr v roce 1920. Tento kus byl věnován britské houslistce Marie Hall, která měla obě verze premiéru. Od té doby se stal populárním dílem, zejména v Británii, kde se hraje pravidelně.
Skladatel citoval linie básně v fly-listu jeho skóre. Hudba je velmi evokující a vykazuje znaky impresionismu. Použití pentatonických měřítek, režimů a volně plynoucích rytmů vytváří atmosféru silně spojenou s anglickou krajinou. Složení hudby v době první světové války bylo v rozporu s tehdejší situací. Tento kus se stal reprezentací anglického stylu v době, kdy se země pokoušela vytvořit národní identitu.
Janine Jansen hraje Lark vzestupně Vaughan Williams
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, op.40
Danse Macabre, také známý jako Dance of Death, byl původně uměleckou písní pro hlas a klavír na základě textu Henri Cazalise. V 1874, Saint-Saëns dělal to do tónové básně pro orchestr s prominentní sólovou houslovou částí, obvykle hrál koncertmaster.
Hudba začíná dvanácti opakovanými notami z harfy, což signalizuje, že hodiny udeřily o půlnoci. Sólové housle pak vstoupí do tritonu - často známého jako ďábel v hudbě, s otevřenými řetězci, ve kterých byl řetězec E naladěn na byt E ( scordatura ). Záhadná taneční témata byla poté přenášena do různých sekcí nástrojů, se zvyšující se intenzitou a energií. Uprostřed díla je slyšet citát od Dies Irae - rekviem obvykle slyšeným na pohřbu. Ke konci se kus náhle mění s hobojovým motivem, který se podobá vráně kohouta a následuje klidná melodie v hlavním klíči, které hraje sólové housle, což naznačuje, že svítání svítí.
Saint-Saëns - Danse Macabre, op 40
Leonard Bernstein (1918 - 1990) - Serenáda po Platónově sympoziu
Bernsteinova Serenáda po Platónově sympoziu byla složena pro sólové housle, smyčce, harfu a perkuse v roce 1954. Může být považována za pětitěžový koncert pro housle. Symposium je filosofický text od Platóna, který zobrazoval fiktivní dialog skupiny pozoruhodných mužů na téma lásky. Bernstein jmenoval každou část své hudby přednášejícím sympozia.
Tuto práci si objednala Nadace Koussevitzky a Bernstein uvedl premiéru v roce 1954 s Isaacem Sternem jako sólistkou. Je to neuvěřitelně náročné jak pro houslistu, tak pro orchestr díky často se měnícímu metru a nepředvídatelnému rytmickému vzorci. Bernsteinovu pečlivost lze vidět v celé partii, v tom, co je považováno za jedno z jeho nejlepších koncertních děl.
Bernstein napsal následující komentář ke své Serenade:
I. Phaedrus - Pausanias (Lento — Allegro): Phaedrus otevírá sympozium lyrickou řečí na chválu Eros, boha lásky. (Fugato, zahájené sólovými houslemi.) Pausanias pokračuje popisováním duality milence a milovaného. To je vyjádřeno v klasické sonátové alegro, založené na materiálu otevíracího fugata.
II. Aristophanes (Allegretto): Aristophanes nehraje v tomto dialogu roli klauna, nýbrž roli vypravěče před spaním, vyvolávajícím pohádkovou mytologii lásky.
III. Erixymachus (Presto): Lékař hovoří o tělesné harmonii jako vědeckém modelu fungování vzorů lásky. Toto je extrémně krátké fugato scherzo, které se rodí ze směsi tajemství a humoru.
IV. Agathon (Adagio): Snad nejpohyblivější řeč dialogu, Agathonova panegyrika zahrnuje všechny aspekty moci lásky, kouzla a funkcí lásky. Tento pohyb je jednoduchá třídílná píseň.
V. Socrates - Alcibiades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Socrates popisuje svou návštěvu věštec Diotima a cituje svůj projev o démonii lásky. Toto je pomalé zavádění větší váhy než kterýkoli z předchozích pohybů a slouží jako vysoce rozvinuté opakování střední části Agathonova hnutí, což naznačuje skrytou sonátovou formu. Slavné přerušení Alcibiades a jeho skupiny opilých revelers uvězňuje v Allegro, což je rozšířené rondo v duchu od agitace přes jigovitou taneční hudbu až po radostnou oslavu. Pokud je na oslavě náznak jazzu, doufám, že to nebude považováno za anachronistickou řeckou party hudbu, ale spíše za přirozené vyjádření současného amerického skladatele naplněného duchem této nadčasové večeře.
"Umělecká díla dělají pravidla; pravidla nedělají umělecká díla." - Claude Debussy
